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Silvestre es un espacio de tres ambientes que invita a explorar la comida costarricense desde una perspectiva contemporánea, fresca y original, de la mano del chef Santiago Fernández Benedetto. Parte de esa apuesta por lo contemporáneo es la decisión de Silvestre de no recurrir a vajilla industrial, sino de encargar su propia vajilla a Enraizados, del ceramista José Montero, cuyo trabajo parte de la identidad —la cultura, la sociedad, su propia mirada y la de otros—, con la mascarada costarricense, particularmente la barveña. De ese vínculo ha surgido una sinergia que ha enriquecido ambos proyectos: piezas únicas y no seriadas que convierten cada plato en una extensión de su propuesta gastronómica.
Una de las tradiciones más arraigadas en Costa Rica es la mascarada, que combina raíces coloniales españolas con influencias indígenas y africanas. Desde entonces se han extendido por todo el país en fiestas patronales y populares, donde figuras como el Diablo, la Giganta, la Muerte o el Cadejos recorren las calles al son de la cimarrona.
Barva de Heredia es uno de los cantones donde esta tradición arraigó con más fuerza: ahí la elaboración artesanal de máscaras se convirtió en oficio, dando origen a un estilo propio —la mascarada barveña— y a generaciones de mascareros que han transmitido la técnica de padres a hijos.
Algunas de sus colecciones integran el diseño y el arte indígena costarricense en sus piezas de mobiliario, uniendo procesos de manufactura contemporáneo con tejidos indígenas, fabricados por doña Pastora Jakson, maestra artesana de la comunidad indígena de Kèkóldi, en Talamanca.
Estos bancos están compuestos por una estructura de madera de teca, la cual da soporte al tejido indígena de palma natural, teñido con pigmentos naturales extraídos del achiote, youst y cúrcuma.
Procura la sostenibilidad, fusionando el eje medioambiental utilizando materias primas amigables; el eje social y económico, que involucra el bienestar a la comunidad indígena con nuevas fuentes de trabajo para las artesanas.
En Costa Rica existen 8 pueblos indígenas —bribri, cabécar, ngöbe (guaymí), brunca (boruca), teribe (térraba), huetar, maleku (guatuso) y chorotega—, que en total representan alrededor del 2,4% de la población. Están distribuidos en 24 territorios, y ocupan cerca del 7% de la superficie del país, principalmente en las regiones de Talamanca, Puntarenas y Guanacaste.
Fundado a partir del interés por desarrollar una práctica de diseño con identidad propia y vinculada directamente con la producción local. Desde sus inicios han entendido el diseño no solo como un ejercicio formal, sino como una herramienta para transformar la manera en que habitamos, nos relacionamos y experimentamos los espacios cotidianos.
Diseñan y fabrican localmente, trabajando de cerca con materiales, procesos industriales y técnicas artesanales. Trabajan entre distintas escalas, desde objetos y colecciones hasta mobiliario personalizado, espacios interiores e instalaciones.
Se caracteriza por una aproximación expresiva y lúdica, donde el color, la materialidad y las formas se utilizan como principios para construir identidad. Crean piezas con carácter, que despiertan la curiosidad y permiten establecer relaciones más cercanas y emocionales con los objetos. Trabajar desde su territorio les implica reconocer sus capacidades, sus limitaciones y sus oportunidades, y convertirlas en parte del proceso creativo.
Los afiches de José Alberto Hernández —de corte social, político, ambiental y de denuncia— son de las expresiones más notorias del diseño gráfico contemporáneo costarricense. Aunque su trayectoria se ha ligado sobre todo a la comunicación cultural, ha sostenido en paralelo una producción personal donde el afiche funciona como pieza crítica sobre guerra, migraciones, violencia, poder, desigualdad, corrupción, abuso policial, gentrificación y conflictos territoriales.
Su estilo se define por la síntesis visual, la economía de recursos y la fuerza conceptual: mensajes complejos transmitidos con imágenes directas, simbólicas y contundentes. Desde la tradición del cartel de protesta, combina tipografía, ilustración, fotografía, resignificación y vacío para construir piezas irónicas y metafóricas que invitan a la reflexión, no a la simple contemplación —abordando conflictos armados, desplazamientos y relaciones de poder desde una mirada humanista, y siempre por inquietud propia, no por encargo.
Su aporte central es haber consolidado el afiche como herramienta de pensamiento crítico en la cultura visual costarricense, un lenguaje donde confluyen diseño, arte, comunicación y compromiso social.
Tony Agüero, conocido como TOMO77, es un artista y diseñador cuya trayectoria comenzó hace tres décadas a partir de la curiosidad, la experimentación y el vínculo con el diseño gráfico. Con el tiempo, desarrolló un lenguaje propio de protesta, desde el que examina el comportamiento humano, el capitalismo y la cultura pop a través de su experiencia migrante.
Su obra fusiona la estética del grabado tradicional y la simbología medieval con el diseño y la iconografía contemporáneos. Mediante una paleta reducida —dominada por el rojo y el negro— y una atmósfera nocturna y onírica, aborda problemáticas como el racismo, la violencia policial, la desigualdad y las crisis sanitarias y políticas de nuestro tiempo.
TOMO77 construye imágenes marcadas por la dualidad: seductoras e inquietantes, históricas y actuales, precisas y provocadoras. Sus alegorías visuales cuestionan las estructuras de poder y confrontan al espectador con preguntas esenciales sobre nuestra sociedad, nuestra historia y el futuro que queremos construir.
Inspirada en la esencia de lo salvaje, un tributo al trópico, sus especies y paisajes. La selva, es parte de su forma de ver y crear: diseñan productos que mezclan naturalidad y estética, buscando un estilo propio para la indumentaria y el hogar.
El nombre Pampa hace honor a las planicies de Guanacaste, en el noroeste de Costa Rica —un territorio seco, diverso y lleno de identidad—, de donde nace su esencia: reinterpretar elementos de la cultura y el entorno costarricense a través del diseño.
Bocanegra no existe sin diseño. Si bien es cierto que el café es su principal producto, el diseño fue el culpable de que naciera y de que se siga vivo. Inició como un deseo, o más bien como un capricho de poder tener su propio café. Pero muy pronto se convirtió en nuestro escape creativo. Con cada nueva entrega diseñábamos un empaque nuevo. No sólo nos dio identidad, también nos abrió las puertas a cafeterías.
Bocanegra pasó de ser un proyecto gráfico a uno de los tostadores de café más reconocidos de Costa Rica. No fue solo gracias al diseño, pero sin el diseño, no sería Bocanegra.
El método clásico costarricense para hacer café es el "chorreador": una estructura de madera con un filtro de tela donde se pone el café molido y se vierte agua caliente lentamente, dejando que cuele por gravedad directo a la taza, un pichel o una jarra. Esta es la tradición en la que se inspira Plinc, que nace del aprecio por los momentos que se viven alrededor del café como símbolo de hospitalidad. Verter el agua lentamente, sentir el aroma, la pausa mientras el café cae: un ritual que acerca naturalmente a quienes lo comparten.
El chorreador PLINC viene acompañado del pichel y la cuchara, diseñados con medidas para que preparar una buena taza en casa sea intuitivo, sin depender de herramientas de precisión. Su filtro de tela deja pasar los aceites naturales del café mientras mantiene claridad en la taza, logrando una textura suave y redonda que expresa el carácter del café de forma honesta.
El café llegó a Costa Rica a finales del siglo XVIII y, entre 1821 y 1890, fue el único producto de exportación del país, el llamado «grano de oro» moldeó buena parte de la historia económica y social. Hoy el país cuenta con ocho regiones cafetaleras reconocidas —entre ellas Tarrazú, con denominación de origen propia— . En las últimas décadas, se ha experimentado un auge del café de especialidad: microlotes, procesos honey y naturales, micro-beneficios y una competencia nacional de catación —activa desde 2007— que conecta a productores costarricenses con el circuito internacional de calidad, consolidando a Costa Rica como uno de los orígenes más reconocidos del mundo.
Explora la relación entre cuerpo, materia y espacio a través de indumentaria y objetos —luminaria, mobiliario, cerámica y textiles— entendidos como distintas escalas de una misma investigación sobre forma, construcción y uso. Estas luminarias conjugan la “Lámpara Marañón” y la “Lámpara Jícara”, ambas están inspiradas en árboles típicos de Guanacaste, provincia natal del diseñador y fuente de su paleta de color y de la abstracción de elementos del paisaje.
Holalola es el proyecto de ilustración de Priscilla Aguirre, quien lo fundó en 2013. Sus ilustraciones se alejan de las imágenes turísticas convencionales —playas, montañas, paisajes de postal— para retratar, en cambio, la vida cotidiana de los lugares costarricenses: sus escenas, objetos y costumbres particulares, con un estilo colorido que asocia a la cultura latinoamericana. Provincia por provincia, su trabajo construye un mapa afectivo del país contado desde lo que los propios costarricenses reconocen como suyo, más que desde lo que el visitante espera encontrar.
Bajo la idea de estar «felizmente ilustrado en Costa Rica», sus piezas se han convertido en pequeños embajadores visuales de la identidad tica, tanto para quienes viven en el país como para quienes se llevan un fragmento de esta idiosincrasia al partir.
Diseñadora costarricense, radicada en Edimburgo que talla y graba a mano vidrio reciclado y descartado para crear ensamblajes llenos de alegría. Su práctica se mueve por la importancia del juego intuitivo como herramienta poderosa de narrativa e intercambio en la vida cotidiana. Utiliza el juego, la belleza y el encanto como vehículos para explorar temas sociales y ambientales.
Entropía es el nombre bajo el cual trabaja la ilustradora costarricense María José Rodríguez, cuya práctica nace de una conexión profunda con la naturaleza: la flora y fauna de Costa Rica; la botánica y la biodiversidad se traducen en ilustraciones que buscan capturar la gracia con la que "la Madre Naturaleza fluye en completa libertad". Su trabajo combina la pintura manual con herramientas digitales, y se despliega en murales, impresiones de edición limitada y patrones textiles.
The Art of Sport New Balance x Debut es una colección inspirada en la mitología griega, que incorpora elementos de la arquitectura, la escultura y el arte de la antigua Grecia. Estos elementos se fusionan con el diseño y el mundo del deporte para crear una interpretación única de “The art of sport”, expresada de una manera extravagante, audaz y llena de carácter.
Debut es una fusión de deportes (especialmente basketball) y diseño, combinamos diseño y deportes en un mismo equipo. En los últimos años los deportes se han convertido en la inspiración para nosotros como equipo, inspirando nuestros esfuerzos de colaboración para conceptualizar y crear. Se ha convertido en un catalizador para nuestro crecimiento como diseñadores.
PACTO, de Danilo Coto, nace de una pasión por rescatar y crear piezas y accesorios vintage, devolviéndoles el lugar que tuvieron en otra época. Ese interés los autos antiguos y su contexto, por lo que el tiempo ha dejado atrás —objetos con historia y carácter propio— se convirtió en el punto de partida de un proyecto que traduce ese oficio de búsqueda y recuperación en un lenguaje de diseño contemporáneo.
Este trabajo de rescate ha trascendido fronteras: PACTO ha vestido producciones cinematográficas internacionales como F1 y Ferrari vs Ford, aportando accesorios de época que refuerza la autenticidad visual del mundo del motorismo clásico en pantalla. Esta proyección internacional ocurre además en un contexto favorable: Costa Rica se ha consolidado como un país que atrae inversión fílmica internacional, ofreciendo locaciones y talento a producciones de gran escala.
En lo oculto es una colección de joyería textil de Autóctono by Álvaro Núñez que explora la transformación del tejido indígena Boruca, elaborado en telar de cintura, de una superficie bidimensional a formas tridimensionales. A través del diseño contemporáneo, el tejido se curva, pliega y adquiere volumen para convertirse en piezas de carácter escultórico que dialogan con el cuerpo.
Autóctono by Álvaro Núñez es una firma de diseño costarricense que vincula diseño contemporáneo y técnicas artesanales de pueblos indígenas de Costa Rica. A través de procesos de colaboración, explora nuevas posibilidades para estos conocimientos y materialidades, creando piezas que conectan patrimonio cultural, experimentación y diseño, al tiempo que reconocen y fortalecen el trabajo de las comunidades artesanas.
mmm propone espacios de nidificación hechos con materiales naturales para las zonas urbanas. En San José, ciudad de vida urbano-tropical, transitan y anidan cada año más de 300 especies de aves —varias endémicas—, en un país que es uno de los mayores parques ornitológicos del planeta. Busca reforzar el equilibrio entre biodiversidad y urbanismo, y su impacto alcanza tanto a las aves como a las personas, invita a los ciudadanos a responsabilizarse de su biodiversidad.
Los nidos están hechos de jícaras descartadas por la artesanía local, piezas que se desechan, pero que aquí adquieren un valor estético e identitario, funcionando además como camuflaje natural para las aves y dinamizando la economía artesanal. Los materiales y procesos de fabricación son 100% costarricenses, reciclados y reciclables.
María Méndez Martén es diseñadora e investigadora. Su práctica se desarrolla en la intersección entre el diseño, la investigación aplicada y la sostenibilidad, entendiendo el diseño como una herramienta para explorar preguntas complejas y construir nuevas relaciones entre las personas, los materiales, los territorios y los ecosistemas.
Con más de quince años de trayectoria internacional entre Europa y América Latina, ha desarrollado proyectos que integran diseño de producto, investigación material, diseño de servicios y pensamiento estratégico para abordar desafíos empresariales, ambientales, sociales y culturales desde una perspectiva interdisciplinaria. Su trabajo combina la exploración, la experimentación y el diseño como un proceso continuo de generación de conocimiento.
La experimentación con la materia ocupa un lugar central en su práctica. Colabora con artesanos, comunidades, investigadores e instituciones para explorar materiales, técnicas y saberes locales, entendiendo que cada proceso constituye una oportunidad para descubrir nuevas posibilidades de diseño. Más que buscar respuestas definitivas, sus proyectos proponen nuevas formas de observar, interpretar y relacionarse con el entorno.
En los últimos años, su investigación se ha orientado hacia los biomateriales, la biodiversidad urbana, la economía circular y el conocimiento vernáculo, desarrollando proyectos que promueven una relación más consciente entre cultura y naturaleza. Sus propuestas buscan generar impacto ambiental, social y cultural, demostrando el potencial del diseño como herramienta para la investigación, la innovación y la transformación de los sistemas que habitamos.
Como fundadora de mmm, desarrolla proyectos donde la investigación se traduce en productos, metodologías y experiencias que articulan sostenibilidad, diseño y conocimiento. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente y presentado en exposiciones, bienales y programas de investigación en Europa y América Latina.
Proyecto de piezas cerámicas de alta temperatura, elaboradas con esmaltes no comerciales. Los peces, entre lo utilitario y lo escultórico, representan un llamado de atención ante la constante contaminación de nuestros océanos. Partiendo de la proyección de que para el año 2030 podría haber más plástico que peces en el mar, estas piezas se convierten en una voz simbólica de la vida marina: más peces, menos plástico.
PEZ COCINADO soy yo, Vivi, una ceramista graduada de la Universidad de Costa Rica. Es mi imaginación mezclada con barro, expresando mi gran amor y respeto a lo que habita en nuestros mares.Se basa en piezas artísticas y utilitarias, utilizando las técnicas de pellizco, rollo y placa. Horneadas en alta temperatura, lo que las hace más resistentes. Realizo personalmente cada una de las etapas de la creación, como parte de un enfoque 100% hecho a mano y por mí. Cada pieza es una obra de arte única — exclusiva, expresiva y con intención.
¡Más peces menos plástico!
La vajilla para el menú degustación de Sikwa surge en San José, Costa Rica, como extensión de una experiencia gastronómica que recupera saberes y sabores de los pueblos originarios. El proyecto explora las relaciones entre territorio, memoria, alimentación y cultura material. A partir de referentes de la cerámica precolombina, formas orgánicas y barro local, desarrolla una propuesta contemporánea que interpreta y resignifica estos vínculos. No es solo una vajilla. Es una historia que se come.
Diseñador y artista con más de 20 años de experiencia en proyectos interdisciplinarios para los sectores público, privado y educativo. Su práctica integra arte, diseño, comunicación visual, gestión cultural y dirección de arte, con énfasis en innovación y estrategia creativa. Desde 2011 es docente de la Universidad de Costa Rica y desarrolla investigación-creación en Arte y Diseño, Espacio Público, Gráfica Vernácula, Estudios Culturales y Cultura Visual.
Sipidipi es una editorial independiente costarricense especializada en libros pop-up e interactivos. Fundada en 2016 por el diseñador Esteban López Meoño, desarrolla publicaciones que integran investigación, ilustración, diseño gráfico e ingeniería del papel. Sus libros exploran la biodiversidad, la cultura, la arquitectura y los paisajes de Costa Rica y otras ciudades del mundo, transformando el libro en un objeto tridimensional que combina comunicación, diseño y experiencia.
Esteban López Meoño es diseñador gráfico, ilustrador, editor y paper engineer costarricense con más de 25 años de trayectoria. Fundador de Filisgráfica y de la editorial independiente Sipidipi, desarrolla proyectos que integran investigación, diseño, ilustración e ingeniería del papel. Su trabajo explora el libro como objeto tridimensional y medio de comunicación, con proyectos reconocidos y exhibidos internacionalmente en el ámbito del diseño.
