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Bocanegra no existe sin diseño. Si bien es cierto que el café es su principal producto, el diseño fue el culpable de que naciera y de que se siga vivo. Inició como un deseo, o más bien como un capricho de poder tener su propio café. Pero muy pronto se convirtió en nuestro escape creativo. Con cada nueva entrega diseñábamos un empaque nuevo. No sólo nos dio identidad, también nos abrió las puertas a cafeterías.
Bocanegra pasó de ser un proyecto gráfico a uno de los tostadores de café más reconocidos de Costa Rica. No fue solo gracias al diseño, pero sin el diseño, no sería Bocanegra.
Fundado a partir del interés por desarrollar una práctica de diseño con identidad propia y vinculada directamente con la producción local. Desde sus inicios han entendido el diseño no solo como un ejercicio formal, sino como una herramienta para transformar la manera en que habitamos, nos relacionamos y experimentamos los espacios cotidianos.
Diseñan y fabrican localmente, trabajando de cerca con materiales, procesos industriales y técnicas artesanales. Trabajan entre distintas escalas, desde objetos y colecciones hasta mobiliario personalizado, espacios interiores e instalaciones.
Se caracteriza por una aproximación expresiva y lúdica, donde el color, la materialidad y las formas se utilizan como principios para construir identidad. Crean piezas con carácter, que despiertan la curiosidad y permiten establecer relaciones más cercanas y emocionales con los objetos. Trabajar desde su territorio les implica reconocer sus capacidades, sus limitaciones y sus oportunidades, y convertirlas en parte del proceso creativo.
El método clásico costarricense para hacer café es el "chorreador": una estructura de madera con un filtro de tela donde se pone el café molido y se vierte agua caliente lentamente, dejando que cuele por gravedad directo a la taza, un pichel o una jarra. Esta es la tradición en la que se inspira Plinc, que nace del aprecio por los momentos que se viven alrededor del café como símbolo de hospitalidad. Verter el agua lentamente, sentir el aroma, la pausa mientras el café cae: un ritual que acerca naturalmente a quienes lo comparten.
El chorreador PLINC viene acompañado del pichel y la cuchara, diseñados con medidas para que preparar una buena taza en casa sea intuitivo, sin depender de herramientas de precisión. Su filtro de tela deja pasar los aceites naturales del café mientras mantiene claridad en la taza, logrando una textura suave y redonda que expresa el carácter del café de forma honesta.
Plinc nace de un aprecio profundo por los momentos que vivimos alrededor del café y de la forma en que nos acerca. Nuestro propósito es hacer la experiencia alrededor del café mas hermosa, mas cercana y mas significativa.
CRUDA es un proyecto de diseño fundado en Costa Rica en 2017 y actualmente basado en la Ciudad de México. Dirigido por la artista y diseñadora costarricense Pamela Hernández, CRUDA explora distintas formas de hacer y entender el diseño a través de la experimentación con materiales, la artesanía y la sostenibilidad.
Desde sus inicios, el proyecto ha explorado distintas disciplinas, desarrollando objetos, accesorios, calzado y piezas hechas a mano que abrazan la imperfección y llevan los límites del upcycling a nuevos territorios. La llanta, el cuero, la mezclilla y la madera son algunos de los materiales que han formado parte de su práctica, transformándose a través de procesos que combinan técnicas artesanales con una visión contemporánea del diseño. El conocimiento y los oficios detrás de estos procesos se mantienen vivos y se transmiten a nuevas generaciones.
CRUDA cuestiona los modelos convencionales de producción y consumo, priorizando la producción ética, la transparencia y la revitalización del oficio local.
Pamela Hernández, artista y diseñadora costarricense. Trabaja con basura y objetos de desecho, se interesa por sus vidas pasadas, sus historias desconocidas o imaginadas. En su obra hay una intención permanente por revivir y reinterpretar desperdicios destinados al olvido.
Creadora de CRUDA, una marca que apoya e impulsa procesos artesanales y prácticas de producción responsables trabajando principalmente con materiales upcycling pensando en que cada objeto tenga algo único e irrepetible.
Desde 2007 formó parte como cofundadora de Re proyectos, un colectivo que dio vida durante casi nueve años a múltiples proyectos de mobiliario e intervenciones artísticas fabricadas a partir de desechos informáticos considerados desperdicios provenientes de la ciudad de San José.
Es directora del espacio Recidencias Porvenir un proyecto multidisciplinario latinoamericano para la experimentación creativa.
Su trabajo ha sido exhibido en TEOR/ética (cr), Museo Nacional de Costa Rica, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, Saatchi Yates (uk) entre otros.
Majo Rodríguez rinde un elegante homenaje al aire como un símbolo de libertad, transformación y serenidad. Esta serie inaugural te invita a abrazar el arte de fluir con el cambio, celebrando la belleza de los momentos silenciosos pero profundos de la vida. La colección encarna el espíritu etéreo del colibrí, cuyo vuelo brillante cautiva el alma. Cada scarf es una obra, meticulosamente diseñada como un recordatorio de la poética belleza de la vida y el poder transformador de los elementos.
Majo Rodríguez es una artista visual, diseñadora y muralista costarricense cuya obra nace de una observación cercana de la flora, fauna y biodiversidad de Costa Rica. Entropía, es la marca bajo la cual sus ilustraciones trascienden la obra artística para habitar objetos de uso cotidiano: una propuesta de diseño high-end que combina técnicas de pintura manual y herramientas digitales para crear ilustraciones minuciosas que cobran vida en textiles, impresiones de edición limitada y otros objetos cuidadosamente producidos.
En lo oculto es una colección de joyería textil de Autóctono by Álvaro Núñez que explora la transformación del tejido indígena Boruca, elaborado en telar de cintura, de una superficie bidimensional a formas tridimensionales. A través del diseño contemporáneo, el tejido se curva, pliega y adquiere volumen para convertirse en piezas de carácter escultórico que dialogan con el cuerpo.
Autóctono by Álvaro Núñez es una firma de diseño costarricense que vincula diseño contemporáneo y técnicas artesanales de pueblos indígenas de Costa Rica. A través de procesos de colaboración, explora nuevas posibilidades para estos conocimientos y materialidades, creando piezas que conectan patrimonio cultural, experimentación y diseño, al tiempo que reconocen y fortalecen el trabajo de las comunidades artesanas.
Los diablitos silvestres o "Mascarada Silvestre" son piezas diseñadas especialmente para el restaurante Silvestre, desde 2016 hemos realizado estas piezas para diferentes menús del restaurante y en este caso son totalmente blancos, en alta temperatura y teñidos con humo para que este acorde con la vajilla y los platos del restaurante, en otras ocasiones han tenido muchos colores, oro, etc.
Enraizados nace como un taller de cerámica en el año 2012; su diseñador y creador Jose Eduardo Montero. Actualmente se encuentra ubicado en los Sitios de Moravia, en San Jose Costa Rica. Pero el proyecto nació junto a su creador en Barva de Heredia, lugar que nutre precisamente toda la temática de Enraizados así como sus colores, historias, y la gran riqueza cultural de este pueblo. La base de creación es la cerámica utilitaria y escultórica, fusionada en algunas ocasiones con prácticas en nuevas tecnologías como impresión 3d, modelado digital y otras
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Un lugar cuenta una historia.
Puede ser sutil al principio, contenida en los contornos de la tierra, en el movimiento del agua, en la dirección del viento, en la presencia de una piedra, en el vuelo de un ave. Pero cuando aprendemos a sintonizarnos, a mirar más allá de lo inmediatamente visible y a escuchar el lenguaje más silencioso de un lugar, el territorio comienza a guiarnos.
Podemos utilizar nuestros sentidos para conectarnos con los lugares, evocando preguntas del pasado y del presente. ¿Cómo? ¿Por qué? ¿Quién?
Esta instalación explora el análisis metafísico como una forma de comunicarnos con la naturaleza. Una manera de comprender el paisaje no solo a través de sus atributos físicos, sino también a través de la resonancia emocional, cultural y espiritual de un lugar. La piedra se convierte en materia y metáfora. Te invita a observar. A escuchar.
¿Qué se siente estar aqui?
¿Hay una brisa que atraviesa los árboles?
¿Que escuchas a lo lejos?
¿Puedes escuchar la corriente de agua atravesando el paisaje?
¿Si la piedra fuera un portal - que te mostraria?
¿La erosion lenta del tiempo?
¿El movimiento de los rios?
Y si el territorio pudiera hablar, ¿qué historias nos contaría?
Cuando observamos a través de los ojos de un paisajista, comenzamos a percibir el paisaje como un sistema vivo. Los contornos se convierten en flujos. Las crestas se convierten en conexiones. El agua revela caminos. La vegetación habla del tiempo, del clima y de la memoria. Cada elemento forma parte de un sistema más amplio y dinámico.
Relacionarnos con un lugar de esta manera es ir más allá. Es prestar atención a su espíritu de lugar; a las sensaciones, memorias, historias y relaciones que hacen que un paisaje sea fundamentalmente diferente de otro.
Cuando los materiales propios de un territorio se combinan con el diseño, la arquitectura puede comenzar a sentirse menos como un objeto colocado sobre el paisaje y más como algo que siempre ha pertenecido a él. Y quizás esta sea una forma de imaginar el futuro.
No como un alejamiento de la naturaleza, sino como una relación más profunda con ella. Un futuro construido desde escuchar, no desde la imposición. Desde la preservación de aquello que tiene significado.
¿Y si el futuro no fuera algo que construimos desde cero, sino algo que aprendemos a leer?
Vida es la conexión entre territorio, visión y posibilidad. Somos creativos visionarios y pragmáticos, observamos lo que el territorio nos revela antes de imaginar lo que puede llegar a ser. Como masterplanners, nuestros diseños exploran los límites entre lo construido y la naturaleza, creando espacios que se sienten intencionales, conectados y profundamente humanos.
Durante más de dos décadas, nuestra curiosidad nos ha llevado a dar forma a proyectos reconocidos en cuatro continentes. Con estudios en Costa Rica y Sudáfrica, nuestro equipo multidisciplinario es a la vez global y local. Mas que masterplanning, integramos estrategia, viabilidad y arquitectura del paisaje en un solo proceso colaborativo.
Crédito Sonoro:
Mario Cardona Lang
Director y productor costarricense, Ripple Effect.
Holalola es una marca costarricense de regalos y souvenirs ilustrados, fundada en 2013 por la artista Priscilla Aguirre. Nació con el deseo de mostrarle al mundo la cultura, la naturaleza y las costumbres de nuestro país.
Inspirada en los viajes y en nuestro colorido entorno, Holalola conquista a nacionales y extranjeros con productos de gran calidad y hermoso diseño, pensados para regalar o para decorar espacios con algo verdaderamente nuestro. Sus ilustraciones lúdicas —creadas para adultos y niños por igual— ayudan a contar la historia de Costa Rica y a preservar su memoria.
Diseñadora gráfica e ilustradora.Su trabajo se caracteriza por ser lúdico, gráfico y colorido.A través de su carrera ha experimentado con muchas técnicas desde el collage, digital y gouache.Su trabajo se ha llevado a diferentes medios como la publicidad, el editorial, y variedad de productos. A partir del 2013 crea su propia marca : Holalola. Sus ilustraciones se inspiran en la mirada mágica de viajar y encontrar gozo en lo cotidiano.
Los afiches de José Alberto Hernández configura un territorio de reflexión crítica dentro del diseño gráfico contemporáneo costarricense. A través de una economía visual precisa, imágenes simbólicas y una potente síntesis conceptual, su obra aborda conflictos sociales, políticos y ambientales. Sus afiches trascienden la comunicación para convertirse en espacios de conciencia, cuestionamiento y participación.
Diseñador y artista costarricense con una extensa trayectoria en comunicación cultural y social, desarrollada mediante afiches, libros, catálogos, identidades y otras piezas gráficas. Su obra se distingue por un pensamiento visual preciso, la síntesis conceptual y un lenguaje minimalista que integra fotografía, ilustración y recursos metafóricos. Su amplia producción ha sido expuesta en museos y espacios culturales de América, Europa y Asia, y publicada en numerosos libros y catálogos especializados.
Proyecto de piezas cerámicas de alta temperatura, elaboradas con esmaltes no comerciales. Los peces, entre lo utilitario y lo escultórico, representan un llamado de atención ante la constante contaminación de nuestros océanos. Partiendo de la proyección de que para el año 2030 podría haber más plástico que peces en el mar, estas piezas se convierten en una voz simbólica de la vida marina: más peces, menos plástico.
PEZ COCINADO soy yo, Vivi, una ceramista graduada de la Universidad de Costa Rica. Es mi imaginación mezclada con barro, expresando mi gran amor y respeto a lo que habita en nuestros mares.Se basa en piezas artísticas y utilitarias, utilizando las técnicas de pellizco, rollo y placa. Horneadas en alta temperatura, lo que las hace más resistentes. Realizo personalmente cada una de las etapas de la creación, como parte de un enfoque 100% hecho a mano y por mí. Cada pieza es una obra de arte única — exclusiva, expresiva y con intención.
¡Más peces menos plástico!
mmm propone espacios de nidificación hechos con materiales naturales para las zonas urbanas. En San José, ciudad de vida urbano-tropical, transitan y anidan cada año más de 300 especies de aves —varias endémicas—, en un país que es uno de los mayores parques ornitológicos del planeta. Busca reforzar el equilibrio entre biodiversidad y urbanismo, y su impacto alcanza tanto a las aves como a las personas, invita a los ciudadanos a responsabilizarse de su biodiversidad.
Los nidos están hechos de jícaras descartadas por la artesanía local, piezas que se desechan, pero que aquí adquieren un valor estético e identitario, funcionando además como camuflaje natural para las aves y dinamizando la economía artesanal. Los materiales y procesos de fabricación son 100% costarricenses, reciclados y reciclables.
María Méndez Martén es diseñadora e investigadora. Su práctica se desarrolla en la intersección entre el diseño, la investigación aplicada y la sostenibilidad, entendiendo el diseño como una herramienta para explorar preguntas complejas y construir nuevas relaciones entre las personas, los materiales, los territorios y los ecosistemas.
Con más de quince años de trayectoria internacional entre Europa y América Latina, ha desarrollado proyectos que integran diseño de producto, investigación material, diseño de servicios y pensamiento estratégico para abordar desafíos empresariales, ambientales, sociales y culturales desde una perspectiva interdisciplinaria. Su trabajo combina la exploración, la experimentación y el diseño como un proceso continuo de generación de conocimiento.
La experimentación con la materia ocupa un lugar central en su práctica. Colabora con artesanos, comunidades, investigadores e instituciones para explorar materiales, técnicas y saberes locales, entendiendo que cada proceso constituye una oportunidad para descubrir nuevas posibilidades de diseño. Más que buscar respuestas definitivas, sus proyectos proponen nuevas formas de observar, interpretar y relacionarse con el entorno.
En los últimos años, su investigación se ha orientado hacia los biomateriales, la biodiversidad urbana, la economía circular y el conocimiento vernáculo, desarrollando proyectos que promueven una relación más consciente entre cultura y naturaleza. Sus propuestas buscan generar impacto ambiental, social y cultural, demostrando el potencial del diseño como herramienta para la investigación, la innovación y la transformación de los sistemas que habitamos.
Como fundadora de mmm, desarrolla proyectos donde la investigación se traduce en productos, metodologías y experiencias que articulan sostenibilidad, diseño y conocimiento. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente y presentado en exposiciones, bienales y programas de investigación en Europa y América Latina.
Explora la relación entre cuerpo, materia y espacio a través de indumentaria y objetos —luminaria, mobiliario, cerámica y textiles— entendidos como distintas escalas de una misma investigación sobre forma, construcción y uso. Estas luminarias conjugan la “Lámpara Marañón” y la “Lámpara Jícara”, ambas están inspiradas en árboles típicos de Guanacaste, provincia natal del diseñador y fuente de su paleta de color y de la abstracción de elementos del paisaje.
PACTO, de Danilo Coto, nace de una pasión por rescatar y crear piezas y accesorios vintage, devolviéndoles el lugar que tuvieron en otra época. Ese interés los autos antiguos y su contexto, por lo que el tiempo ha dejado atrás —objetos con historia y carácter propio— se convirtió en el punto de partida de un proyecto que traduce ese oficio de búsqueda y recuperación en un lenguaje de diseño contemporáneo.
Este trabajo de rescate ha trascendido fronteras: PACTO ha vestido producciones cinematográficas internacionales como F1 y Ferrari vs Ford, aportando accesorios de época que refuerza la autenticidad visual del mundo del motorismo clásico en pantalla. Esta proyección internacional ocurre además en un contexto favorable: Costa Rica se ha consolidado como un país que atrae inversión fílmica internacional, ofreciendo locaciones y talento a producciones de gran escala.
Su más reciente colección, Pajaritos (Wee Birds), reúne 11 aves tropicales con “acento escocés”, creadas a partir de residuos de vidrio descartados por una fábrica checa de vidrio soplado y de otros fragmentos recuperados localmente en centros de reciclaje. Cada pieza representa una segunda oportunidad de cómo podemos apreciarla desde una perspectiva diferente.
Entre más de 500 proyectos participantes, Pajaritos fue seleccionado como finalista del House & Garden Craft Prize de la Revista House & Garden UK @houseandgardenuk y se exhibió en Sotheby’s Mayfair durante @londoncraftweek el pasado mes de mayo.
Juli Bolaños-Durman es una diseñadora costarricense que vive y trabaja en Edimburgo, Escocia, desde 2011.
“Me impulsa el uso de materiales de desecho recolectados localmente, y me inspiran los paisajes de mi infancia en una finca de mangos. Parto del juego, reimaginando materiales como criaturas míticas y transformándolas usando técnicas de cristal cortado en peligro de extinción. Este proyecto sirve como un vehículo para compartir las historias silenciosas que guardan estos objetos. En este caso, una serie de pajaritos tropicales con acento escocés”.
“A través de mi trabajo invito a explorar un mundo mágico de segundas oportunidades, donde el vidrio como material de desecho es el punto de partida”.
Inspirada en la esencia de lo salvaje, un tributo al trópico, sus especies y paisajes. La selva, es parte de su forma de ver y crear: diseñan productos que mezclan naturalidad y estética, buscando un estilo propio para la indumentaria y el hogar.
El nombre Pampa hace honor a las planicies de Guanacaste, en el noroeste de Costa Rica —un territorio seco, diverso y lleno de identidad—, de donde nace su esencia: reinterpretar elementos de la cultura y el entorno costarricense a través del diseño.
PAMPA es una marca costarricense que explora la relación entre naturaleza, territorio y diseño. Sus productos nacen de la observación de la flora, fauna y paisajes tropicales de Costa Rica, reinterpretados a través de ilustraciones simples, formas geométricas, colores naturales y mensajes que invitan a conectar con nuestro entorno.
Más que representar la naturaleza de forma literal, PAMPA busca encontrar nuevas maneras de interpretarla. Cada pieza es una pequeña exploración de lo que nos rodea y de aquello que compartimos como parte de un mismo ecosistema.
Sipidipi es una editorial independiente costarricense especializada en libros pop-up e interactivos. Fundada en 2016 por el diseñador Esteban López Meoño, desarrolla publicaciones que integran investigación, ilustración, diseño gráfico e ingeniería del papel. Sus libros exploran la biodiversidad, la cultura, la arquitectura y los paisajes de Costa Rica y otras ciudades del mundo, transformando el libro en un objeto tridimensional que combina comunicación, diseño y experiencia.
Esteban López Meoño es diseñador gráfico, ilustrador, editor y paper engineer costarricense con más de 25 años de trayectoria. Fundador de Filisgráfica y de la editorial independiente Sipidipi, desarrolla proyectos que integran investigación, diseño, ilustración e ingeniería del papel. Su trabajo explora el libro como objeto tridimensional y medio de comunicación, con proyectos reconocidos y exhibidos internacionalmente en el ámbito del diseño.
El taburete y contenedor Heliconia está inspirado en la planta de los bosques tropicales costarricenses. Esta pieza integra el diseño y el arte indígena del país, uniendo procesos de manufactura contemporáneos con tejidos indígenas tradicionales elaborados por doña Pastora, maestra artesana de la comunidad indígena de Kèkóldi, en Talamanca.
El producto ha sido diseñado en un formato listo para armar. Está compuesto por una base circular y doce piezas de madera de teca que da soporte al tejido indígena de palma natural, teñido con pigmentos naturales extraídos del achiote, youst y cúrcuma.
El diseño procura la sostenibilidad fusionando el eje ambiental mediante la utilización de materias primas amigables. El eje social y económico mediante el bienestar para la comunidad indígena a través de la creación de nuevas fuentes de trabajo para las artesanas. Y la economía circular a través de un diseño modular que permite recuperar y reparar las piezas en todas las fases de su ciclo de vida, abarcando su uso, transporte y armado.
Apasionado por el diseño. Ingeniero en Diseño Industrial egresado del Instituto Tecnológico de Costa Rica, con experiencia nacional e internacional. Desarrollo su práctica profesional en Dinamarca, donde tomo esa inspiración para regresar a cumplir el sueño de hacer diseño costarricense. En 2012 funda ALL be design, un estudio dedicado al diseño de productos y mobiliario costarricense.
Parte de su misión, es exponer el valor del diseño costarricense, razón por la cual sus diseños han sido expuestos en muestras como: Bienal Iberoamericana de Diseño (Madrid 2008,2010,2020). Finalista del concurso de diseño Talentos Design 09 (Madrid 2009). Diseño Responsable (San José 2009). Feria de Diseño 10 (San José 2010). Ganador de la Categoría Equilibrio Bienal Punto D / CR Diseña (San José 2011). Expositor en NUDE Feria Habitat Valencia (Valencia 2014). Expositor en Lima Design Week (Lima 2017). Expositor en el Pabellón de Costa Rica durante la EXPO 2020 DUBAI (UAE 2021). Expositor en Inedito, Design Week México (Ciudad de México 2023).
Paralelo a esto ha realizado diversas actividades como: Profesor universitario, consultor en diseño, conferencista, consultor en proyectos de mejora artesanal, gestor de innovación y mentor.
Actualmente es director del estudio de diseño costarricense ALL be Design.
The Art of Sport New Balance x Debut es una colección inspirada en la mitología griega, que incorpora elementos de la arquitectura, la escultura y el arte de la antigua Grecia. Estos elementos se fusionan con el diseño y el mundo del deporte para crear una interpretación única de “The art of sport”, expresada de una manera extravagante, audaz y llena de carácter.
Debut es una fusión de deportes (especialmente basketball) y diseño, combinamos diseño y deportes en un mismo equipo. En los últimos años los deportes se han convertido en la inspiración para nosotros como equipo, inspirando nuestros esfuerzos de colaboración para conceptualizar y crear. Se ha convertido en un catalizador para nuestro crecimiento como diseñadores.
Tony Agüero, conocido como TOMO77, es un artista y diseñador cuya trayectoria comenzó hace tres décadas a partir de la curiosidad, la experimentación y el vínculo con el diseño gráfico. Con el tiempo, desarrolló un lenguaje propio de protesta, desde el que examina el comportamiento humano, el capitalismo y la cultura pop a través de su experiencia migrante.
Su obra fusiona la estética del grabado tradicional y la simbología medieval con el diseño y la iconografía contemporáneos. Mediante una paleta reducida —dominada por el rojo y el negro— y una atmósfera nocturna y onírica, aborda problemáticas como el racismo, la violencia policial, la desigualdad y las crisis sanitarias y políticas de nuestro tiempo.
TOMO77 construye imágenes marcadas por la dualidad: seductoras e inquietantes, históricas y actuales, precisas y provocadoras. Sus alegorías visuales cuestionan las estructuras de poder y confrontan al espectador con preguntas esenciales sobre nuestra sociedad, nuestra historia y el futuro que queremos construir.
La vajilla para el menú degustación de Sikwa surge en San José, Costa Rica, como extensión de una experiencia gastronómica que recupera saberes y sabores de los pueblos originarios. El proyecto explora las relaciones entre territorio, memoria, alimentación y cultura material. A partir de referentes de la cerámica precolombina, formas orgánicas y barro local, desarrolla una propuesta contemporánea que interpreta y resignifica estos vínculos. No es solo una vajilla. Es una historia que se come.
Diseñador y artista con más de 20 años de experiencia en proyectos interdisciplinarios para los sectores público, privado y educativo. Su práctica integra arte, diseño, comunicación visual, gestión cultural y dirección de arte, con énfasis en innovación y estrategia creativa. Desde 2011 es docente de la Universidad de Costa Rica y desarrolla investigación-creación en Arte y Diseño, Espacio Público, Gráfica Vernácula, Estudios Culturales y Cultura Visual.
